Rueda de prensa: The Artist

Después de haberla podido ver, estuvimos presentes en la rueda de prensa del director de una de las películas de la temporada.

Cines Princesa de Madrid. A pesar de que The Artist es la favorita para llevarse todos los premios del año, el pase de prensa dista de registrar un lleno absoluto. No es de extrañar habida cuenta de la cantidad de festivales en los que se ha proyectado, incluido el reciente ciclo que nos brindaron los mismos cines Renoir. Los que no habíamos tenido el placer de hincarle el diente entramos ilusionados, expectantes ante tan buenas críticas. La cosa no decepciona y salimos maravillados ante el espectáculo de forma, pero también de fondo, que es The Artist. Rápidamente da comienzo la rueda de prensa y Michel Hazanavicius, director de la película, aparece contento ante su recibimiento y dispuesto a contestar a todas las preguntas de los presentes.

Según explicó Enrique González Macho, distribuidor de la película en España además de actual presidente de la Academia de Cine, la estrategia de Alta Films de cara al estreno este viernes 16 es clara: han seleccionado los cines en los que mejor puede funcionar este primer fin de semana (la lista completa puede consultarse aquí) con la intención de ir aumentando las copias gracias al boca-oreja y a los premios obtenidos. Esto se debe, entre otras cosas, a la saturación de estrenos en estas fechas navideñas que habría podido hacer que más de una multisala la largase a las primeras de cambio sin otorgarle la atención que merece. Vamos, que The Artist no va a pasar desapercibida.

¿Cuál fue la razón para elegir The Artist como título de la película?

Bueno, en realidad fue el productor quien lo eligió, no yo. En las primeras versiones el título era El lunar, que me parecía mucho más apto, ya que el protagonista no es un artista. No es ningún Orson Welles, tan solo es un actor mudo de mucho éxito. Al final me dejé convencer por el productor y otra gente y acabó gustándome el título de The Artist, ya que me recordaba a cómo presentaban a los personajes en los títulos de crédito del cine mudo, utilizando el rol que representaban en el relato: el policía, el vagabundo, la florista, el artista…

¿Qué le parece que en todo el mundo se hable de su película como una de las favoritas de los premios Oscar de este año?

Me hablan constantemente de ello. Para mí es un placer, me sentiré muy orgulloso en caso de que me nominen, cosa que aún no ha pasado. No sé si tenemos posibilidad de ganar algún premio, pero sólo estar allí ya es todo un logro, y más tratándose de una película europea, muda y en blanco y negro. Los Oscar son una plataforma estupenda para la distribución de una película, un enorme medio de difusión. Sólo por eso sería muy positivo ser nominado, y no te digo ya ganar alguna estatuilla.

¿Cómo a una persona tan joven como usted se le ha ocurrido hacer este tributo al cine mudo, con homenajes a películas como City Girl o Cantando bajo la lluvia?

Bueno, el cine mudo permite contar una historia de forma extraordinaria. El hecho de que no haya sonido hace que el espectador tenga que usar mucho más la imaginación, lo que le hace implicarse mucho más profundamente. Yo pretendía hacer una película sobre el cine mudo, y tenia claro que quería que se viera todo el proceso de creación. Cuando decidimos que rodaríamos en Hollywood fue cuando surgió la idea de los homenajes, ya que podíamos contar con localizaciones donde realmente se habían rodado algunas de las más importantes películas mudas.

¿Tenía claro qué actores encarnarían a los protagonistas desde un principio?

Los protagonistas sí. Es mi tercera película con Jean Dujardin, y Bérénice Bejo es mi mujer. Por cierto, si hay algún realizador o productor en la sala, que sepáis que habla perfectamente español (risas). Escribí el papel pensando en ellos, creando situaciones donde sabía que iban a sentirse a gusto. A los actores americanos les elegí directamente allí, en Estados Unidos.

En los recientes Premios del Cine Europeo se ha ido con un único galardón, a la banda sonora. ¿Cree que su película se está valorando más al otro lado del charco, donde no paran de caerle premios?

No creo que en Europa se haya recibido mal la película. Hemos cosechado un gran éxito en Inglaterra e Italia, y por lo que puedo ver también en España. Los Premios del Cine Europeo abarcan toda Europa, y hay una infinidad de buenas películas. Aun así estábamos ahí, entre las nominadas. De todas formas, los premios y nominaciones no son el único criterio para valorar una película. Prefiero ver las reacciones de la gente al salir de la sala, por ejemplo.

¿El personaje principal, George Valentin, está basado en algún actor del cine mudo en concreto?

Aunque es cierto que muchos actores del cine mudo no encontraron trabajo en la época del sonoro, no está basado en ninguno en especial. He intentado crear un personaje amplio que, antes que nada, es un ser humano que se ve excluido de su propia vida y que es incapaz de adaptarse a los cambios frenéticos que vive el mundo. La película está ambientada en una época donde se creía que todo iba a durar siempre. Recuerdo que mi padre siempre creía que encontrar trabajo en una fábrica era conseguir un empleo para toda la vida. Ahora las fábricas cierran cuando uno menos se lo espera. De eso habla la película, de cómo el ser humano tiene que cambiar para no quedarse atrás.

¿Qué es lo que ha aprendido haciendo The Artist? ¿Cree que se atreverá a hacer otra película muda?

Lo primero que he aprendido es que si colocas un perro al lado de un personaje, éste parece más simpático. Mucho me temo que si hiciera una película sobre Hitler, nunca podría ponerle un perro al lado (risas). La mayor enseñanza que me llevo es que cuanto menos mejor. Al no tener diálogos sólo podía trabajar con los sentimientos, y eso fue un reto fascinante. No descarto hacer otra película de este formato, pero debería ser algo que realmente me apeteciera, que mereciera la pena.

¿Cómo fue el trabajo con la música, que tan bien sirve como hilo conductor de la película?

Es verdad que la música tiene mucho peso en la película. Estuve un montón de tiempo escuchando las grandes bandas sonoras del cine mudo, y se las ponía a todos para que se metieran en el ambiente. Incluso durante el rodaje ponía mucha música, sobre todo en los momentos clave de la película, para que todo el mundo entendiera el tono de lo que se estaba rodando: comedia, drama, amor… Para trabajar con el compositor de la banda sonora (Ludovic Bource, cómplice en sus anteriores films) dividí la película en diez o doce bloques, representando cada uno diferentes puntos emocionales, ya que la película debía ser un espejo del guión al estar presente en prácticamente todo el metraje. Fue un trabajo muy duro porque tenían que respetar mis directrices y sacar su sensibilidad al mismo tiempo. Y además en un tiempo muy limitado, porque queríamos presentar la película en Cannes y el festival estaba a la vuelta de la esquina. No se lo puse nada fácil, pero hizo un gran trabajo.

¿Cuál es la manera que va uno a un productor a venderle esta película en los tiempos que corren?

Bueno, tengo la suerte de que mis trabajos anteriores (la saga de OSS 117) tuvieron un gran éxito en Francia, y con esos antecedentes es mucho más fácil acudir a un productor para que te produzca cualquier cosa. Aun así es cierto que he tenido problemas con alguna gente que no creía para nada en el proyecto.

¿Cuando viste la película acabada por fin, te diste cuenta de que tenías una obra redonda?

Sí (risas). No, en el mundo del cine nunca se sabe, siempre se tiene miedo a cómo va a reaccionar el público. Lo que más me abruma es que durante el proceso de creación la película es una cosa viva, pero una vez la terminas pasa a estar muerta. No puedes hacer nada para cambiar ni un plano, solamente esperar a ver de qué modo la recibe el espectador.

Extracto por Favio Rossini y Sergio de Benito